Visuelle Alben: Eine neue Ära des Storytellings

Visuelle Alben sind mehr als nur die poetische Variante des filmischen Prosaformats. Sie stellen eher eine eigene Disziplin als eine Modeerscheinung oder einen Stil dar. Sie nehmen die Erwartungen der traditionellen Kinogänger und kehren sie um, um etwas Frisches und Lebendiges zu schaffen, das sich von der traditionellen Struktur einer Geschichte löst. In dieser Hinsicht ähneln sie eher dem Comicbuch als dem Roman eines Films. Wie in Comicbüchern wird die Geschichte des visuellen Albums angedeutet, in den Zwischenraum zwischen den Frames eingebettet, die Betrachter werden durch das Anschauen zu Geschichtenerzählern. Die besten Stars gießen die Geschichte ihrer Musik, die Geschichten, die im Schreibprozess ruhen, in die wartende Struktur des visuellen Albums und füllen es mit nicht-wörtlicher Bedeutung. Visionäre von Prince bis Kate Bush haben verstanden, dass Musik und Film immer nur wenige Schritte voneinander entfernt sind, zwei kreative Impulse, die unausweichlich aufeinander zusteuern.

Visuelle Alben als Ausdruck von Kreativität und Persönlichkeit

Natürlich gibt es auch in der Kunst Autoren: Menschen, deren Ideen und Ausdrucksformen sich um unverrückbare Objekte und Ereignisse herum krümmen, die ihren Blickwinkel füllen. Das visuelle Album ist zu einem Berührungspunkt für unsere herausragendsten Pop-Sänger geworden, deren erkennbare Fingerabdrücke an jedem neu veröffentlichten Bild haften. Alle paar Monate wird eine neue Version des visuellen Albums veröffentlicht, was die nächste Welle frustrierender Diskurse auslöst, die sowohl die Fähigkeiten bei der Umsetzung eines solchen Projekts herabsetzen (indem sie es als überlanges Musikvideo behandeln) als auch den künstlerischen Impuls, der seine Veröffentlichung erfordert, überschätzen (der immer mit der Vermarktung einer persönlichen Marke verbunden ist).

Jennifer Lopez und die Kunst des visuellen Albums

Als Jennifer Lopez den Trailer für ihr bizarres und unerwartetes Leidenschaftsprojekt mit dem Titel „This is Me… Now: A Love Story“ veröffentlichte, löste dies eine Reihe von Fragen zur Präzedenz und Legitimität dieser Erzählform aus. Jedes neue visuelle Album ist in den frühen Angeboten des Mediums verstrickt, die bis zu Werken wie „A Hard Day’s Night“ zurückreichen – eine Art leichtfüßiger, trivialer Ausflug, der nur in den frühen, ungeprobten Momenten eines Genres gedeihen konnte. Der von Richard Lester inszenierte Film nutzt einen Absurdismus, der sowohl den unbestreitbaren Erfolg der Beatles auf den Kopf stellt als auch erklärt. „This is Me… Now“: Eine visuelle Reise durch die Karriere von Jennifer Lopez „This is Me… Now“ teilt die rasende Delirium von „A Hard Day’s Night“, doch Lopez und ihre Kolleginnen im Pop können ihre Persönlichkeiten und Karrieren nicht in solch leichtfertigen visuellen Ausflügen zusammenfassen. Das Publikum erwartet einen gewissen Grad an Realität oder zumindest Identifikation mit diesen Frauen. Daher wählen Lopez und Regisseur David Meyer (der zuvor bereits mit ihr für das Musikvideo „I’m Real“ zusammengearbeitet hatte) eine epische Linse. In „This is Me… Now“ spielt Lopez „The Artist“: eine Frau in Therapie, ein Interessensobjekt für den kosmischen Zodiac-Rat, ein Kind aus der Bronx, das seinen Traum verfolgt. Letztendlich kann der Film seine eigene Grandiosität nicht immer rechtfertigen, doch wie alle visuellen Alben gelingt es ihm, eine Fülle von filmischen Referenzen zu versammeln, in denen der Star verortet ist. Popmusik als Spiegelbild der Gesellschaft Popmusik wird oft vorgeworfen, in ihrer Zugänglichkeit fade zu sein, geglättet zu einer glänzenden, reflektierenden Oberfläche, in der die Hörer sich selbst erkennen können. Durch diese Filme haben Künstler die Möglichkeit, offensichtlich respektierte Szenen und Bilder in das Gewebe ihrer Alben zu weben, diese kritischen Missverständnisse zu komplizieren und zu beweisen, dass Popmusik nachvollziehbar ist, von einem Autor geboren und mit einem spezifischen Standpunkt. Wie Andrew Sarris in den (kontroversen) „Notes on the Auteur Theory in 1962“ schrieb, ist die „innere Bedeutung“ des Werks eines Regisseurs in „jedem wörtlichen Sinn unerklärlich, weil ein Teil davon in der Substanz des Kinos eingebettet ist und nicht in nicht-kinematographischen Begriffen wiedergegeben werden kann“. Als Bildermacherin versteht Lopez, wie auch ihre Kolleginnen im Pop, dass ein erfolgreicher Übergang zum Kino ein Verständnis und eine Verkörperung der Filmgeschichte erfordert. Großartige bewegte Bilder sind nur durch die Bilder erklärbar, die ihnen vorausgingen – eine Folge von obskuren, unvollkommenen Übersetzungen.

Die Rolle der Referenzen in visuellen Alben

Für Lopez imitiert die Künstlichkeit des CGI-Set das Gefühl und Design der klassischen Musicals, die sie zuerst inspirierten. Visuelle Anspielungen auf „Sweet Charity“ und „Singin‘ in the Rain“ sind zahlreich, und alle verleihen der Idee von Jennifer Lopez „The Artist“ echtes Gewicht. Nichts fühlt sich so absichtlich an wie ihre faszinierende und häufige Referenz an Barbra Streisand. Nach einer Kakophonie von Trennungen liegt Lopez‘ Charakter auf dem Sofa und schaut Katie (Barbra Streisand) und Hubbell (Robert Redford) zu, wie sie in „The Way We Were“ streiten. „Wir hätten beide Unrecht! Wir würden beide verlieren!“ schließt Hubbell. „Könnten wir nicht beide gewinnen?“ antworten Katie und Lopez ernsthaft, eine vom Bildschirm, eine vom Wohnzimmer aus. Streisand ist der Schlüssel zum Verständnis von Lopez‘ Bildpraxis; eine in New York geborene Romantikerin, geleitet von einem überirdischen Schicksalsgefühl, immer noch beschäftigt mit den verrückten Was-wäre-wenn-Fragen des Lebens.

Beyoncé und das visuelle Album „Lemonade“

Alle besten visuellen Alben tragen ihre Referenzen offen zur Schau und treiben das Medium durch eine kühne Neugestaltung berühmter Bilder voran. Vielleicht keines mehr als Beyoncés „Lemonade“, das bis heute der Maßstab des 21. Jahrhunderts für das visuelle Album bleibt. Wie Lopez‘ Angebot ist es ehrgeizig, auf der größtmöglichen Leinwand geschrieben. Und wie „This is Me… Now“ ist es auch eine zutiefst persönliche Antwort auf die Spekulationen um ihre Ehe, die aber geduldig Heimvideos mit Momenten der Kinogeschichte verbindet (insbesondere mit Rückgriffen auf Julie Dashs „Daughters of the Dust“). Der Erfolg von Pop-Alben ist nicht von filmischen Anspielungen abhängig, aber Ehrfurcht vor großer Kunst ist ein Indikator für einen großartigen Künstler, und solche bedeutenden Prominenten können das visuelle Album nutzen, um ihren Geschmack zu präsentieren, die öffentliche Aufmerksamkeit um ihren neuen, kreativen Standpunkt herum neu zu gestalten – so wie Beyoncé es 2016 tat.

Fazit

Visuelle Alben sind mehr als nur eine Modeerscheinung in der Musik- und Filmindustrie. Sie sind eine Plattform für Künstler, ihre persönlichen Geschichten und kreativen Visionen auf eine Weise zu teilen, die über den traditionellen Formatrahmen hinausgeht. Sie erlauben es Künstlern, ihre Musik mit visuellen Erzählungen zu verbinden, die sowohl die Bedeutung ihrer Werke vertiefen als auch das Publikum auf eine tiefere, persönlichere Ebene einladen. Ob es sich um Jennifer Lopez‘ „This is Me… Now“, Beyoncés „Lemonade“ oder andere bemerkenswerte visuelle Alben handelt, sie alle tragen dazu bei, die Grenzen des Geschichtenerzählens zu erweitern und bieten eine aufregende neue Perspektive auf die Verbindung von Musik und Film.